مايكل أنجلو

مايكل أنجلو


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


خلق آدم بواسطة مايكل أنجلو

من بين كل الصور الرائعة التي تزاحم المجمع الهائل لسقف سيستين ، خلق آدم هو بلا شك الشخص الأكثر تأثيراً في الأجيال القادمة. لا عجب ، لأننا هنا نعطي رؤية واحدة ساحقة عن سمو الله ونبل الإنسان المحتمل غير المسبوق وغير المسبوق في تاريخ الفن البصري بأكمله. لم يعد الرب يقف على الأرض بعيون مغلقة وعباءة ، يطفو في السماء ، وعباءته منتشرة ومليئة بالأشكال الملائكية ، ونظراته الهادئة ترافق وتعزز حركة ذراعه الجبارة. يمد سبابته ، على وشك أن يلمس سبابة آدم ، الذي يتكئ على ساحل الأرض القاحل ، بالكاد قادر على رفع يده بعد. الشكل الإلهي محدب ، متفجر ، أبوي الإنسان مقعر ، متقبل ، وعاجز بشكل واضح. غالبًا ما يوصف الاتصال الأولي والتخصيب الذي على وشك الحدوث بين إصبعي السبابة بأنه شرارة أو تيار ، استعارة كهربائية حديثة لا شك أنها غريبة عن القرن السادس عشر ، ولكنها طبيعية بدرجة كافية بالنظر إلى نهر الحياة الذي يبدو على وشك التدفق إليه الجثة المنتظرة.

يخبرنا سفر التكوين كيف خلق الرب آدم من تراب الأرض ونفخ في أنفه نسمة الحياة. لم يتم توضيح هذه القصة حرفيًا في فن عصر النهضة. عادةً ، كما في ارتياح جاكوبو ديلا كويرسيا الجميل على واجهة كنيسة سان بترونيو في بولونيا ، والتي لابد أنها أثارت إعجاب الشاب مايكل أنجلو بعمق ، يقف الخالق على الأرض ويبارك جسد آدم المتشكل بالفعل ، ويقرأ مع الأرض ، لأن اسمه بالعبرية يعني الأرض. يبدو أن صورة مايكل أنجلو الجديدة تمامًا ترمز إلى فكرة أخرى - غرس القوة الإلهية في البشرية ، والتي حدثت في التجسد. بالنظر إلى إصرار الكاردينال فيجيريو المتكرر على عقيدة آدمز ، وموقع المشهد مباشرة بعد الحاجز المؤدي إلى الحرم ، في المكان الذي ظهرت فيه البشارة عادةً ، وبعد حزقيال برؤيته للولادة العذراء ، يبدو هذا. طبيعي بما فيه الكفاية. يذكّر المشهد بالآيات الشهيرة من إشعياء ، "من صدق خبرنا؟ ولمن أنزلت ذراع الرب؟ لأنه سينمو أمامه كنبتة طرية وكأصل من أرض يابسة. "اتخذها اللاهوتيون دائمًا للتنبؤ بتجسد المسيح ، ورمية عصا جيسي. يوضح عنصران بصريان ملفتان أن هذه كانت واحدة من المقاطع التي أوصى بها مايكل أنجلو مستشاره المحتمل ، الكاردينال فيجيريو. أولاً ، تم الكشف عن ذراع الرب الأيمن العاري ، عارياً كما لم يظهر في أي من مظاهره الأخرى على سقف سيستين ، ولا في أي مكان آخر ، بقدر ما تمكنت من تحديده ، في كل الفن المسيحي قبل هذا الوقت. (الذراع اليسرى مُلبسة ، على الأقل حتى المرفق ، بكم أبيض). ثانيًا ، مباشرة تحت آدم ، ذراع الشاب المحجوب إلى اليسار فوق مشاريع العرافة الفارسية في المشهد - وهي مسألة تضمنت تخطيطًا مسبقًا كبيرًا - اقترب الخالق من لمس فخذ آدم كما يفعل الخالق بإصبعه. تحمل هذه اليد وفرة ممتلئة بأوراق وجوز روفيري ، ويبدو أنها تنمو من الأرض الجافة ، ومليئة بالقوة مثل آدم ("الأرض") فارغة منها. هذه الصورة مميزة ليس فقط لمايكل أنجلو ، الذي فضل قدر الإمكان إظهار الشخصيات الذكورية ، بما في ذلك شخصية المسيح ، عارية تمامًا ، ولكن لعصر النهضة الروماني العالي ويوليوس الثاني نفسه ، التي تفيض لغتها كما سجلها معاصروه المذهولون. يفتخر بقوته البدنية وفاعليته.


مايكل أنجلو - التاريخ

ديفيد هي واحدة من أروع منحوتات عصر النهضة التي تم صنعها خلال أوائل القرن السادس عشر. تم إنشاء هذا العمل الفني الشهير بواسطة مايكل أنجلو ، فنان إيطالي مشهور. يبلغ ارتفاع التمثال 5.17 مترًا ، وهو عبارة عن تمثال رخامي لبطل الكتاب المقدس المسمى ديفيد. كان هذا الشاب أيضًا الموضوع الأكثر شيوعًا في فن عصر النهضة ، لا سيما في فلورنسا.

يسلط الضوء

كان النحت في الأصل من بين تماثيل الأنبياء التي تم وضعها على خط سقف القسم الشرقي من فلورنسا. علاوة على ذلك ، تم وضعه في الساحة العامة في Palazzo della Signoria ، الذي كان مركز الحكومة المدنية في فلورنسا. بسبب الطبيعة الشجاعة لهذا البطل التوراتي ، فقد أصبح في النهاية رمزًا للدفاع عن الحريات المدنية المصوَّرة في جمهورية فلورنسا.

يختلف العمل الفني كثيرًا عن التماثيل السابقة التي صنعها فنانين مشهورين آخرين مثل Verrocchio و Donatello. ديفيد بقلم مايكل أنجلو يصور ديفيد الشاب قبل أن يخوض معركته مع جليات العظيم. ومن ثم ، بدا وجه الرقم & # 8217s متوترًا ومهيأًا للقتال بدلاً من الانتصار بسبب هزيمة خصمه # 8217.

سمات

عمل مايكل أنجلو & # 8217s هو تفسيره للموضوع اليوناني القديم النموذجي لشخصية توراتية بطولية. يتميز بوضعية كونتباسستو ، وهي جانب مميز من المنحوتات العتيقة. يقف ديفيد الشجاع بطريقة متوترة ، مع استرخاء إحدى ساقيه بينما تحمل الأخرى وزن الجسم الكلي. ومن ثم ، فإن هذا يجعل كتفيه ووركيه يرتاحان بزاوية معاكسة. علاوة على ذلك ، يستدير رأس David & # 8217s نحو يساره وهو يحمل قاذفة في ظهره. مع كل هذه الميزات ، يعتبر الكثير من الناس النحت كرمز لجمال الشباب وقوة الإنسان.

التمثال كبير جدًا أيضًا ، مقارنة بالفنانين المعاصرين خلال تلك الحقبة. في الواقع ، يعتبر معظم علماء الفن التمثال معجزة ، حيث تمكن مايكل أنجلو من إعادة شخصية مشهورة ماتت بالفعل. على الرغم من وجود العديد من التماثيل الضخمة التي تم إنشاؤها في التاريخ ، ديفيد من قبل مايكل أنجلو ظلت واحدة من أرقى وأروع.

من المهم أيضًا ملاحظة أن بعض ملامح هذا التمثال بدت كبيرة جدًا ، خاصة اليدين والرأس. ومع ذلك ، قام الفنان بذلك عن قصد لأن التمثال كان من المقرر وضعه على خط سقف الكاتدرائية. وبالتالي ، كان بحاجة إلى إيجاد طريقة لإبراز أجزاء معينة من شأنها أن تجعلها مرئية عند عرضها من الأسفل.

تفاصيل اضافية

يبدو هذا الشكل نحيفًا إلى حد ما من الأمام إلى الخلف عند مقارنته بارتفاعه. وفقًا للعلماء ، قد يكون السبب في ذلك هو العمل المنجز على الكتلة حتى قبل أن يبدأ الفنان في نحتها. بالإضافة إلى ذلك ، كان التمثال يعتبر صورة سياسية قبل أن يقرر العمل عليه.

من الواضح أن ديفيد لطالما كان الصورة السياسية المفضلة في جميع أنحاء فلورنسا ، حيث تم تكليف العديد من الأعمال الفنية التي تصور البطل التوراتي في معظم المواقع المهمة في المدينة.

الحفظ والحفظ

في عام 1991 ، أصيب التمثال وقدم # 8217 بأضرار بالغة عندما قام رجل مختل بتحطيمه بمطرقة. بناءً على العينات التي تم جمعها من تلك الحادثة ، تمكن العلماء من اكتشاف أن الرخام تم الحصول عليه من محاجر Miseglia & # 8217s Fantiscritti ، التي كانت في أحد وديان Carrara & # 8217 الصغيرة. مع تدهور الرخام ، خضع التمثال لأول عملية تنظيف رئيسية ، من 2003 إلى 2004. بعد أربع سنوات ، كانت هناك خطط لعزل التمثال عن الاهتزازات التي يسببها السائحون وخطوات أقدام # 8217 ، من أجل منع المزيد من أضرار أشد للرخام.

تم عمل نسخ عديدة من التمثال على مر السنين. على سبيل المثال ، يتم عرض قالب الجبس لهذا البطل التوراتي حاليًا في متحف فيكتوريا وألبرت. ومع ذلك ، يحتوي هذا التمثال على ورقة تين من الجبس ، والتي تم إنشاؤها عندما صدمت الملكة فيكتوريا بشأن التمثال وعري # 8217s. تم تعليق ورقة التين الجصية على الشكل باستخدام خطافين ، قبل أي زيارات ملكية.

في القرن العشرين ، أصبح النحت مصطلحًا مبدعًا لثقافة المدينة & # 8217. تم إعادة إنتاج التمثال أيضًا بشكل متكرر كما هو الحال في تقليد الألياف الزجاجية والجبس الرخامي ، والذي يرمز إلى أجواء من الصقل والثقافة في أماكن مختلفة مثل نماذج السكك الحديدية وكازينوهات القمار والمنتجعات الشاطئية. وبالتالي ، فإن العمل الفني هو بالفعل الأفضل في التاريخ بسبب حجمه الكبير وتفاصيله وميزاته المثيرة للاهتمام.


كيف غير مايكل أنجلو العالم؟

غيّر مايكل أنجلو العالم من خلال مساعدة الناس على رؤية الفن والفنانين بشكل مختلف. كان فنه رائعًا بسبب هذا ، فقد بدأ العالم في التعرف على الفنانين وفنونهم كإضافات مهمة للمجتمع.

قبل مايكل أنجلو ، لم يتلق الفنانون اهتمامًا فرديًا أو سمعة سيئة لعملهم. لم يُنظر إليهم على أنهم أكثر من مجرد عمال.

غيّر مايكل أنجلو رأي الفنانين في العالم من خلال أعماله الفنية غير العادية. من خلال الفن الرائد ، ابتكر بعضًا من أكثر القطع احترامًا التي عرفها الإنسان ، جعل اهتمامه بالتفاصيل هذه الأعمال رائعة. اشتهر مايكل أنجلو بالنحات ، ولا يزال ديفيد سيئ السمعة ، بخصائصه الواقعية المنحوتة بالرخام ، يعتبر تحفة فنية. تشمل المنحوتات البارزة الأخرى بيتا وموسى ومادونا والطفل.

لم يكن مايكل أنجلو مجرد نحات ، بل كان رسامًا مهمًا ومهندسًا معماريًا غزير الإنتاج أيضًا. تعتبر لوحاته من أعظم الأعمال الفنية في العالم. تشتمل هذه اللوحات على سقف كنيسة سيستين المتقن والمفصل ، والذي يتضمن عناصر مطلية مختلفة لتشكيل مخطط كبير داخل الكنيسة. كمهندس معماري ، صمم الخطط النهائية لكاتدرائية القديس بطرس في الفاتيكان.

يعتبر عمله بداية عصر النهضة العالي ، وهي الفترة الزمنية التي جاء فيها العالم للتعرف على قيمة الفنون البصرية وتقديرها.


مايكل أنجلو - السيرة الذاتية والإرث

ولد مايكل أنجلو ليوناردو دي بوناروتا وفرانشيسكا دي نيري ديل مينياتو دي سيينا ، عائلة من الطبقة المتوسطة من المصرفيين في قرية كابريزي الصغيرة ، بالقرب من أريتسو ، في توسكانا. مرض والدته المؤسف الذي طال أمده أجبر والده على وضع ابنه في رعاية مربية له. كان زوج المربية يعمل في مقلع الرخام الخاص بوالده.

عندما كان مايكل أنجلو يبلغ من العمر ست سنوات ، ماتت والدته ومع ذلك استمر في العيش مع الزوج ، وتعتقد الأسطورة أن هذا الموقف غير التقليدي منذ الطفولة سيضع الأساس لعلاقة حبه اللاحقة بالرخام.

بحلول الوقت الذي كان فيه يبلغ من العمر 13 عامًا ، كان من الواضح لوالده أن مايكل أنجلو ليس لديه القدرة على مهنة الأسرة. تم إرسال الصبي الصغير إلى المتدرب في الاستوديو الشهير دومينيكو غيرلاندايو. بعد عام واحد فقط في الاستوديو ، طلب لورنزو دي ميديشي من عائلة رعاية الفن الفلورنسي الشهيرة من غيرلاندايو اختيار اثنين من أفضل طلابه. تم اختيار مايكل أنجلو ، جنبًا إلى جنب مع فرانشيسكو جراناتشي ، لحضور الأكاديمية الإنسانية لعائلة ميديشي. لقد كان وقتًا مزدهرًا في عصر النهضة في فلورنسا حيث تم تشجيع الفنانين على دراسة العلوم الإنسانية ، وإبراز مساعيهم الإبداعية بمعرفة الفن والفلسفة اليونانية والرومانية القديمة. كان الفن يبتعد عن الأيقونات القوطية والعمل التعبدي ويتطور إلى احتفال كبير بالإنسان وأهميته في العالم. درس مايكل أنجلو على يد النحات الشهير بيرتولدو دي جيوفاني ، واكتسب التعرف على المنحوتات الكلاسيكية العظيمة في قصر لورنزو.

خلال هذا الوقت ، حصل مايكل أنجلو على إذن من كنيسة سانتو سبيريتو الكاثوليكية لدراسة الجثث في مستشفاهم حتى يكتسب فهمًا للتشريح. في المقابل ، نحت لهم صليبًا خشبيًا. نتجت قدرته على تقديم النغمة العضلية الواقعية للجسم بدقة عن هذا التعليم المبكر كما يتضح من تمثالين نجا من ذلك الوقت مادونا جالسة على درج (1491) و معركة القنطور (1492).

التدريب والعمل المبكر

بعد وفاة لورنزو دي ميديشي في عام 1492 ، ظل مايكل أنجلو يتمتع بأمن نسبي في فلورنسا. ولكن عندما تورطت المدينة الفلورنسية في الاضطرابات السياسية ، تم طرد عائلة ميديشي وانتقل الفنان إلى بولونيا. حصل في بولونيا على تكليف بإنهاء نحت قبر القديس دومينيك ، والذي تضمن إضافة تمثال للقديس بترونيوس ، وهو ملاك راكع يحمل شمعدانًا ، والقديس بروكولوس.

عاد مايكل أنجلو إلى فلورنسا عام 1494 بعد أن خفت حدة تهديد الغزو الفرنسي. عمل على تمثالين ، القديس يوحنا المعمدان، وكوبيد صغير. ال كيوبيد تم بيعه إلى الكاردينال رياريو من سان جورجيو ، وتم اعتباره منحوتة عتيقة. على الرغم من انزعاجه من التعرض للخداع ، إلا أن الكاردينال أعجب بما يكفي من صنعة مايكل أنجلو لدعوته إلى روما لحضور لجنة أخرى. بالنسبة لهذه اللجنة ، أنشأ مايكل أنجلو تمثالًا لباخوس ، والذي رفضه الكاردينال الذي اعتقد أنه من غير الحكمة من الناحية السياسية أن يتم ربطه بشخصية عارية وثنية. كان مايكل أنجلو ساخطًا - لدرجة أنه طلب لاحقًا من كاتب سيرته الذاتية كونديفي أن ينكر أن العمولة كانت من الكاردينال وبدلاً من ذلك يسجلها كعمولة من مصرفيه جاكوبو جالي. كانت الطبيعة المتهورة للفنان تكسبه بالفعل سمعة كونه شخصًا يفعل ما يريد بسخط ، وفي كثير من الأحيان يتجنب رغبات راعيه أو يفشل في إكمال العمل بمجرد أن يبدأ.

بقي مايكل أنجلو في روما بعد الانتهاء من باخوس، وفي عام 1497 كلف السفير الفرنسي ، الكاردينال جان بيلهير دي لاغرولياس بيتا لمصلى ملك فرنسا في بازيليك القديس بطرس. ال بيتا أن تصبح واحدة من أشهر المنحوتات لمايكل أنجلو ، والتي وصفها كاتب سيرة القرن السادس عشر جورجيو فاساري بأنها شيء "الطبيعة بالكاد قادرة على خلقه في الجسد". جذبت حدته في التعبير العاطفي والواقعية الواقعية في القطعة الفنان الكثير من الرهبة والاهتمام.

على الرغم من مكانته كواحد من أكثر الفنانين الموهوبين في هذه الفترة بعد الانتهاء من بيتا كان آمنًا ، لم يتلق مايكل أنجلو أي عمولات رئيسية على مدار العامين المقبلين. من الناحية المالية ، لم يكن هذا الغياب عن العمل مصدر قلق كبير. لا يبدو أن الثروة تؤثر على أسلوب حياة الفنان. كما كان سيقول لكونديفي قرب نهاية حياته ، "مهما كنت غنيًا ، فقد عشت دائمًا مثل رجل فقير."

في عام 1497 ، اشتهر الراهب المتشدد جيرولامو سافونارولا بنيران الغرور ، وهو حدث أحرق فيه هو ومؤيدوه الفن والكتب في فلورنسا ، مما تسبب في توقف ما كان فترة مزدهرة في عصر النهضة. كان على مايكل أنجلو أن ينتظر حتى الإطاحة بسافونارولا عام 1498 قبل أن يعود إلى فلورنسا الحبيبة.

في عام 1501 ، ولد أبرز إنجازاته من خلال لجنة من نقابة الصوف لإكمال مشروع غير مكتمل بدأه Agostino di Duccio قبل حوالي 40 عامًا. كان هذا المشروع ، الذي تم الانتهاء منه أخيرًا في عام 1504 ، عبارة عن تمثال عاري مهيب يبلغ ارتفاعه 17 قدمًا للبطل التوراتي ديفيد. كان العمل شهادة على التميز الفريد للفنان في نحت صور دقيقة بشكل مذهل للحياة الواقعية من الرخام الجامد.

تبع ذلك العديد من لجان الرسم ديفيد انتهاء. على وجه الخصوص ، اللوحة النهائية الوحيدة المعروفة لمايكل أنجلو والتي نجت ، دوني توندو (العائلة المقدسة) (1504).

خلال هذا الوقت من عصر النهضة العالي في فلورنسا ، كثرت المنافسات بين مايكل أنجلو وأقرانه من الفنانين ، حيث قاتل كل منهم من أجل اللجان الرئيسية والمكانة الاجتماعية المبجلة بصفتهم سادة معروفين في مجالاتهم.

سرعان ما صعد ليوناردو دافنشي إلى الشهرة وكانت المنافسة بينه وبين مايكل أنجلو أسطورية. في عام 1503 ، كلفهما بييرو سوديريني ، جونفلونيير العدل (موظف حكومي كبير يشبه العمدة) ، برسم جدارين متعارضين في Salone dei Cinquecento في Palazzo Vecchio. لم يتم الانتهاء من كلتا اللوحتين وفقدت للأسف. ليوناردو معركة أنغياري تم رسمها عندما أعاد فاساري لاحقًا بناء Palazzo. عمل مايكل أنجلو على معركة كاسينا في مرحلة الرسم التمهيدية عندما استدعاه البابا يوليوس الثاني إلى روما. تم إغراء مايكل أنجلو بالسمعة اللامعة للراعي بوب الذي كان يغري زملائه الفنانين مثل دوناتو برامانتي ورافائيل لإنشاء مشاريع جديدة ومثيرة. لم يتفوق أحد على منافسيه أبدًا ، قبل الدعوة.

فترة النضج

في روما ، بدأ مايكل أنجلو العمل في قبر البابا ، وهو العمل الذي كان من المقرر الانتهاء منه في غضون خمس سنوات. ومع ذلك ، فإن الفنان سيتخلى عن المشروع بعد أن تملقه من قبل البابا لتولي مهمة أخرى. كان المشروع عبارة عن لوحة لسقف كنيسة سيستين وهناك شائعات مفادها أن برامانتي ، المهندس المعماري المسؤول عن إعادة بناء كنيسة القديس بطرس ، هو من أقنع البابا بأن مايكل أنجلو هو الرجل المسؤول عن الوظيفة. اشتهر الحسد برامانتي ، وكان يعرف أن مايكل أنجلو كان معروفًا بمنحوتاته بدلاً من اللوحات ، كان على يقين من أن منافسه سيفشل. كان يأمل في أن يتسبب ذلك في سقوط الفنان عن الشعبية. قبل مايكل أنجلو اللجنة على مضض.

سيعمل مايكل أنجلو في كنيسة سيستين لمدة أربع سنوات. لقد كانت مهمة صعبة للتحمل غير العادي ، خاصة وأن الفنان العاصف أقال جميع مساعديه باستثناء شخص ساعده في خلط الطلاء. ما نتج عنه كان عملاً هائلاً لعبقرية عظيمة يوضح قصصًا من العهد القديم بما في ذلك خلق العالم ونوح والطوفان. على عكس آمال برامانتي ، أصبحت (ولا تزال) واحدة من أعظم روائع الفن الغربي.

وكان المنافس الآخر الشهير رافائيل البالغ من العمر 26 عامًا قد اقتحم المشهد واختير عام 1508 لرسم لوحة جدارية في مكتبة البابا يوليوس الثاني الخاصة ، وهي لجنة تنافس عليها كل من مايكل أنجلو وليوناردو. عندما بدأت صحة ليوناردو في التدهور ، أصبح رافائيل أكبر خصم فني لمايكل أنجلو. بسبب براعة رافائيل في تصوير التشريح والبراعة في رسم العراة ، كان مايكل أنجلو يتهمه في كثير من الأحيان بنسخ عمله الخاص. على الرغم من تأثره بمايكل أنجلو ، إلا أن رافاييل استاء من عداء مايكل أنجلو تجاهه. رد برسم الفنان بوجهه التقليدي المنتصب على هيئة هيراقليطس في لوحة جدارية شهيرة. مدرسة أثينا (1509-1511).

بعد وفاة البابا يوليوس الثاني عام 1513 ، كلف البابا الجديد ليو العاشر مايكل أنجلو بالعمل على واجهة كنيسة سان لورينزو ، أكبر كنيسة في فلورنسا. أمضى السنوات الثلاث التالية عليها قبل أن يتم إلغاء المشروع بسبب نقص الأموال. في عام 1520 ، حصل على عمولة أخرى في كنيسة ميديشي في بازيليك سان لورينزو والتي عمل فيها بشكل متقطع على مدار العشرين عامًا التالية. خلال هذين العقدين ، أكمل أيضًا اللجنة المعمارية لمكتبة Laurentian.

بعد نهب روما من قبل تشارلز الخامس في عام 1527 ، أُعلنت فلورنسا جمهورية وبقيت تحت الحصار حتى عام 1530. بعد أن عمل مايكل أنجلو قبل الحصار للدفاع عن فلورنسا ، خشي على حياته وهرب عائداً إلى روما. على الرغم من دعمه للجمهورية ، فقد رحب به البابا كليمنت وأعطى عقدًا جديدًا لقبر البابا يوليوس الثاني. كما تم خلال هذا الوقت تكليفه برسم لوحة جدارية ليوم القيامة على جدار مذبح كنيسة سيستين ، وهو مشروع سيستغرق سبع سنوات.

على الرغم من أن العلاقة المتأخرة كانت حكيمة ، في سن 57 ، أنشأ مايكل أنجلو أول صداقات من ثلاث صداقات بارزة ، مما أثار إنتاجًا شعريًا غزيرًا لإضافته إلى كادره من المواهب الفنية. الأول في عام 1532 كان نبيلًا إيطاليًا يبلغ من العمر 23 عامًا ، Tommaso dei Cavalieri ، لم يكن محب الفنان الشاب فحسب ، بل ظل صديقًا مدى الحياة. مؤرخ الفن ، هوارد هيبارد ، يقتبس من مايكل أنجلو وصف توماسو بأنه "نور قرننا ، نموذج العالم بأسره". استفزت العلاقة العاطفية مايكل أنجلو لإنتاج عدد من قصائد الحب التي تشبه المثلية في الطبيعة لدرجة أن حفيده ، عند نشر المجلد في عام 1623 ، قام بتغيير ضمائر النوع لإخفاء سياقهم الجنسي المثلي.

في عام 1536 ، وجد مايكل أنجلو موضوعًا آخر للعاطفة مدى الحياة ، وهو الأرملة ، فيتوريا كولونا ، مركيز بيسكارا ، التي كانت أيضًا شاعرة. خصص لها معظم شعره الغزير ، واستمر عشقه حتى وفاتها عام 1547. كما قدم لها لوحات ورسومات ، ومن أجمل ما بقي على قيد الحياة رسم الطباشير الأسود. بيتا لفيتوريا كولونا عام 1546. كانت المرأة الوحيدة التي لعبت دورًا مهمًا في حياة مايكل أنجلو ويعتقد عمومًا أن علاقتهما كانت أفلاطونية. خلال هذه الفترة ، عمل أيضًا في عدد من اللجان المعمارية بما في ذلك كنيسة سانتا ماريا ديجلي أنجيلي وكنيسة سفورزا في بازيليكا دي سانتا ماريا ماجوري ، وكذلك كابيتولين هيل. كما حصل على عمولات للحصول على لوحتين جصيتين في كابيلا باولينا وتحويل القديس بولس وصلب القديس بطرس.

في عام 1540 ، التقى مايكل أنجلو بـ Cecchino dei Bracci ، ابن مصرفي ثري فلورنسي ، في بلاط البابا بول الثالث ، الذي كان يبلغ من العمر 12 عامًا فقط. تكشف المرثيات التي كتبها مايكل أنجلو بعد وفاة Cecchino بعد أربع سنوات عن مدى علاقتهما ، مما يشير إلى أنهما عشاق. على وجه الخصوص ، الذي يتضمن إشارة بيانية ، "هل تشهد له بعد كم كنت كريمة في السرير. عندما احتضن ، وفي ما تعيشه الروح."

الفترة المتأخرة

كان البابا يوليوس الثاني هو الذي اقترح في عام 1504 هدم كاتدرائية القديس بطرس القديمة واستبدالها بـ "أكبر مبنى في العالم المسيحي". على الرغم من أن تصميم دوناتو برامانتي قد تم اختياره في عام 1505 ، وأن المؤسسات استمرت في العام التالي ، إلا أنه لم يتم إحراز تقدم كبير منذ ذلك الحين. بحلول الوقت الذي تولى فيه مايكل أنجلو هذا المشروع على مضض من منافسه الشهير عام 1546 كان في السبعينيات من عمره ، قائلاً: "إنني أقوم بهذا فقط من أجل محبة الله وتكريم الرسول".

عمل مايكل أنجلو بشكل مستمر طوال بقية حياته في الكنيسة. كانت أهم مساهماته في المشروع هي عمله على القبة في الطرف الشرقي للبازيليكا. قام بدمج أفكار التصميم لجميع المهندسين المعماريين السابقين الذين قدموا مدخلات في العمل ، والتي تخيلت قبة كبيرة مماثلة لقبة برونليسكي الشهيرة في فلورنسا ، ودمجها مع رؤياه العظيمة. على الرغم من أن القبة لم تكتمل إلا بعد وفاته ، إلا أن القاعدة التي كانت ستوضع عليها القبة قد اكتملت ، مما يعني أنه لا يمكن تغيير تصميم القبة بشكل كبير في اكتمالها. لا تزال أكبر كنيسة في العالم ، ولا تزال شهادة على عبقريته وتفانيه. استمر في النحت لكنه فعل ذلك بشكل خاص من أجل المتعة الشخصية بدلاً من العمل. أكمل عدد من بيتاس بما في ذلك تغير (الذي حاول تدميره) ، وكذلك الأخير ، ال روندانيني بييتا، التي عمل فيها حتى الأسابيع الأخيرة قبل وفاته.

لقد قيل أن الأمر يستغرق 10000 ساعة من الممارسة المتعمدة لتصبح على مستوى عالمي في أي مجال. لخص مايكل أنجلو هذا المثل الأعلى عندما بدأ حياته المهنية كصبي فقط واستمر في العمل حتى وفاته عن عمر يناهز 88 عامًا.

ظل توماسو حبه الكبير معه حتى النهاية عندما توفي مايكل أنجلو في منزله في روما بعد مرض قصير في عام 1564. ووفقًا لرغبته ، تم نقل جسده إلى فلورنسا ودفن في بازيليكا دي سانتا كروتشي.

تراث مايكل أنجلو

إلى جانب ليوناردو دافنشي ورافائيل ، يُعتبر مايكل أنجلو أحد العمالقة الثلاثة في عصر النهضة ، ومساهمًا رئيسيًا في الحركة الإنسانية. كانت الإنسانية ، في علاقتها بالواقع الإلهي وغير الدنيوي ، مركزية في رسمه ونحته. لقد كان بارعًا في تصوير الجسد بدقة فنية لدرجة أن الرخام تحول على ما يبدو إلى لحم وعظم. كانت براعته في الانفعال والتعبير البشري مصدر إلهام للتواضع والاحترام. لم يتم تصوير البصيرة النفسية والواقعية الجسدية في عمله بهذه الكثافة من قبل. له بيتا, ديفيد، و ال كنيسة سيستين تم صيانتها والحفاظ عليها والاستمرار في جذب حشود من الزوار من جميع أنحاء العالم. تمنح إنجازات حياته مصداقية لللقب الذي يُمنح له عادة Il Divino (الإلهي).

كان تأثير مايكل أنجلو على الفنانين الآخرين عميقًا واستمر من رافائيل في عصره إلى روبنز ، مرورًا ببرنيني ، وآخر نحات عظيم اتبع تقليده الواقعي ، رودان.

استمرت شهرته ، التي تأسست عندما كان في أوائل العشرينات من عمره ، حتى عصرنا. أما عن عبقريته في النظر إلى جاليليو ، الذي ادعى أنه ولد في اليوم السابق ، ليتزامن مع يوم وفاة مايكل أنجلو ، في إشارة إلى التأكيد على أن العبقري لا يموت أبدًا.


مايكل أنجلو: هل كنت تعلم؟

لقرون ، كانت اللوحات الجدارية كنيسة سيستين تتميز بألوان صامتة وظلال داكنة. حتى أن بعض الناس افترضوا أن مايكل أنجلو ، الذي رأى نفسه نحاتًا وليس رسامًا ، كان مهتمًا بالإعلام أكثر من اهتمامه بالألوان. لكن مشروع ترميم كبير في الثمانينيات أظهر ما يمكن أن يفعله التنظيف الشامل. على مدار عقد من الزمن ، وفي وسط جدل دولي محتدم ، استخدم القائمون على الترميم تكنولوجيا الكمبيوتر والمذيبات الكيميائية لإصلاح الأجزاء التالفة والقضاء على الأوساخ المتراكمة. كشفت جهودهم عن سقف ملون ببراعة أظهر عبقرية مايكل أنجلو من جديد. عندما تم الانتهاء من المشروع في عام 1990 ، كان نيويورك تايمز وصفت النتيجة بأنها "جميلة للغاية". ترميم مايكل أنجلو يوم القيامة على حائط المذبح سرعان ما تبعه.

بطل مميت

كانت سمعة مايكل أنجلو هائلة لدرجة أن المعاصرين أشادوا به على أنهم "مايكل أنجلو الإلهي". لكن قبل وفاته ، كتب الفنان المسن إلى صديق أنه "رجل فقير وقليلة القيمة ، رجل يسير في العمل في هذا الفن الذي منحني إياه الله لأطول فترة ممكنة".

التحقيق في الماضي

خلال عصر النهضة ، كانت جهود الإنسانيين لدراسة النصوص القديمة ولتطهير المسيحية [انظر ص. 14] أدى إلى عدد من الاكتشافات الرائدة. أثبت الباحث الكلاسيكي لورنزو فالا (1406-1457) أن وثيقة "تبرع قسطنطين" & # 151 أ التي تمنح البابا السلطة الزمنية على الإمبراطورية الرومانية الغربية & # 151 لم يكن من الممكن أن يكتبها الإمبراطور قسطنطين لكنها كانت تزويرًا لاحقًا. كما صدم فالا الكنيسة بحجة أن الرسل الاثني عشر لم يؤلفوا قانون إيمان الرسل وأن نسخة الفولجاتا اللاتينية من الكتاب المقدس كانت ممتلئة.

لمواصلة القراءة ، اشترك الآن. المشتركون لديهم وصول رقمي كامل.


Michelangelo & # 8217s لوحة لسقف كنيسة سيستين

تعد كنيسة سيستين واحدة من أشهر المساحات الداخلية المطلية في العالم ، وكل هذه الشهرة تقريبًا تأتي من اللوحة المذهلة لسقفها من حوالي 1508-1512. تم بناء الكنيسة عام 1479 تحت إشراف البابا سيكستوس الرابع ، الذي أطلق عليها اسمه (& # 8220Sistine & # 8221 مشتق من & # 8220Sixtus & # 8221). موقع المبنى قريب جدًا من كاتدرائية القديس بطرس وفناء بلفيدير في الفاتيكان. كانت إحدى وظائف المكان هي أن تكون مكانًا لتجمع كرادلة الكنيسة الكاثوليكية من أجل انتخاب بابا جديد. حتى اليوم ، يتم استخدامه لهذا الغرض ، بما في ذلك الانتخابات الأخيرة للبابا فرانسيس في مارس 2013.

كنيسة سيستين كما ظهرت قبل لوحة جدارية لسقف مايكل أنجلو & # 8217

في الأصل ، تم طلاء السقف المقبب كنيسة سيستين & # 8217s باللون الأزرق ومغطى بالنجوم الذهبية. تم تزيين الجدران بلوحات جدارية من قبل فنانين مختلفين ، مثل بيترو بيروجينو ، الذي رسم المسيح وهو يسلم المفاتيح إلى القديس بطرس هناك عام 1482.

في عام 1508 ، استأجر البابا يوليوس الثاني (1503-1513) مايكل أنجلو لطلاء سقف الكنيسة ، بدلاً من تركه كما كان. قبل هذا الوقت ، اكتسب مايكل أنجلو شهرة من خلال عمله كنحات ، وعمل على أعمال عظيمة مثل بيتا وديفيد. ومع ذلك ، لم يكن محترمًا للغاية لعمله بالفرشاة. وفقًا لفاساري ، كان السبب وراء تكليف جوليوس بمثل هذه المهمة النبيلة لمايكل أنجلو هو تحريض اثنين من المنافسين الفنيين له ، الرسام رافائيل والمهندس المعماري برامانتي. يقول فاساري إن الاثنين كانا يأملان أن يسقط مايكل أنجلو ، لأنه لم يكن معتادًا على الرسم أكثر من النحت ، أو بدلاً من ذلك ، كان يتفاقم مع يوليوس لدرجة أنه سيرغب في المغادرة من روما تمامًا.

مايكل أنجلو ، نوح والفيضان ، سقف كنيسة سيستين

بدلاً من السقوط على وجهه ، ارتقى مايكل أنجلو إلى مهمة إنشاء واحدة من روائع الفن الغربي. برنامج السقف ، الذي ربما تمت صياغته بمساعدة عالم لاهوت من الفاتيكان ، يتمحور حول عدة مشاهد من العهد القديم تبدأ بخلق العالم وتنتهي عند قصة نوح والطوفان. تم توجيه اللوحات بحيث يشاهدها الجانب الأيمن لأعلى ، يجب أن يكون العارض مواجهًا للمذبح على الجانب البعيد من جدار المذبح. يبدأ التسلسل بالخلق ، فوق المذبح ، ويتقدم نحو جانب مدخل الكنيسة على الجانب الآخر من الغرفة.

بدأ مايكل أنجلو الرسم في عام 1508 واستمر حتى عام 1512. بدأ برسم لوحة نوح الجدارية (جانب مدخل الكنيسة) ، ولكن بمجرد أن أكمل هذا المشهد أزال السقالات وأخذ ما أكمله. بعد أن أدرك أن الأشكال كانت أصغر من أن تخدم غرضها على السقف ، قرر أن يتبنى شخصيات أكبر في مشاهده الجدارية اللاحقة. وهكذا ، مع تحرك اللوحات نحو جانب المذبح للكنيسة ، تكون الأشكال أكبر وكذلك أكثر تعبيراً عن الحركة. اثنان من أهم المشاهد على السقف هما اللوحات الجدارية لخليقة آدم وسقوط آدم وحواء / الطرد من الجنة.

من أجل تأطير مشاهد العهد القديم المركزية ، رسم مايكل أنجلو قالبًا معماريًا خياليًا وتماثيل داعمة على طول الكنيسة. تم رسم هذه في جريسيلي (لون رمادي / أحادي اللون) ، مما أعطاهم مظهر التركيبات الخرسانية.

تحت العمارة الخيالية توجد مجموعات رئيسية أكثر من الأشكال المرسومة كجزء من برنامج السقف. توجد هذه الأشكال في المثلثات فوق النوافذ المقوسة ، وهي الأشكال الأكبر بين المثلثات. تضم المجموعة الأولى أناسًا من العهد القديم مثل داود ويوشيا ويسى & # 8211 الذين يُعتقد أنهم جميعًا جزء من نسل المسيح البشري. لقد أكملوا صور الباباوات التي رُسمت في الأسفل على الجدران ، لأن الباباوات عملوا نائبًا للمسيح. وهكذا ، تتجسد الروابط مع المسيح & # 8211 قبل وبعد & # 8211 في هذه اللوحات التي تبدأ على السقف وتستمر إلى الجدران.

تتضمن الأشكال الموجودة بين المثلثات نوعين مختلفين من الأشكال & # 8211 أنبياء العهد القديم والعرافات الوثنية. كان أنصار الإنسانية في عصر النهضة على دراية بدور العراف في العالم القديم ، الذين تنبأوا بقدوم المنقذ. بالنسبة لمسيحيي القرن السادس عشر ، فُسرت هذه النبوءة الوثنية على أنها تحققت بمجيء المسيح على الأرض. لذلك تنبأ كل من أنبياء العهد القديم والثقافة الكلاسيكية بالمسيح الآتي وتم تصويرهما هنا. واحدة من هذه العرافات ، العرافة الليبية ، تتميز بشكل خاص بشكلها النحت. She sits on a garment placed atop a seat and twists her body to close the book. Her weight is placed on her toes and she looks over her shoulder to below her, toward the direction of the altar in the chapel. Michelangelo has made the sibyl respond to the environment in which she was placed.

It has been said that when Michelangelo painted, he was essentially painting sculpture on his surfaces. This is clearly the case in the Sistine Chapel ceiling, where he painted monumental figures that embody both strength and beauty.


Michelangelo Artworks

This statue of Bacchus depicts the Roman god of wine precariously perched on a rock in a state of drunkenness. He wears a wreath of ivy and holds a goblet in one hand, brought up toward his lips for a drink. In the other hand, he holds a lion skin, which is a symbol for death derived from the myth of Hercules. From behind his left leg peeks a satyr, significant to the cult of Bacchus often representing a drunken, lusty, woodland deity.

The work, one of Michelangelo's earliest, caused much controversy. It was originally commissioned by Cardinal Riario and was inspired by a description of a lost bronze sculpture by the ancient sculptor Praxiteles. But when Riario saw the finished piece he found it inappropriate and rejected it. Michelangelo sold it to his banker Jacopo Galli instead.

Despite its colored past though, the piece is evidence of Michelangelo's early genius. His excellent knowledge of anatomy is seen in the androgynous figure's body which Vasari described as having the "the slenderness of a young man and the fleshy roundness of a woman." A high center of gravity lends the figure a sense of captured movement, which Michelangelo would later perfect even further for ديفيد. Although intended to mimic classical Greek sculpture and distressed toward an antique appearance, Michelangelo remained true to what in visual human terms it means to be drunk the unseemly swaying body was unlike any depiction of a god in classical Greek and Roman sculpture. Art historian Claire McCoy said of the sculpture, "Bacchus marked a moment when originality and imitation of the antique came together."

Marble - Museo del Bargello, Florence

Pietà

This was the first of a number of Pietàs Michelangelo worked on during his lifetime. It depicts the body of Jesus in the lap of his mother after the Crucifixion. This particular scene is one of the seven sorrows of Mary used in Catholic devotional prayers and depicts a key moment in her life foretold by the prophet, Simeon.

Cardinal Jean de Bilhères commissioned the work, stating that he wanted to acquire the most beautiful work of marble in Rome, one that no living artist could better. The 24-year-old Michelangelo answered this call, carving the work in two years out of a single block of marble.

Although the work continued a long tradition of devotional images used as aids for prayer, which was developed in Germany in the 1300s, the depiction was uniquely connotative of Italian Renaissance art of the time. Many artists were translating traditional religious narratives in a highly humanist vein blurring the boundaries between the divine and man by humanizing noted biblical figures and taking liberties with expression. Mary was a common subject, portrayed in myriad ways, and in this piece Michelangelo presented her not as a woman in her fifties, but as an unusually youthful beauty. As Michelangelo related to his biographer Ascanio Condivi, "Do you not know that chaste women stay fresh much more than those who are not chaste?"

Not only was Pietà the first depiction of the scene in marble, but Michelangelo also moved away from the depiction of the Virgin's suffering which was usually portrayed in Pietàs of the time, instead presenting her with a deep sense of maternal tenderness for her child. Christ too, shows little sign of his recent crucifixion with only slightly discernible small nail marks in his hands and the wound in his side. Rather than a dead Christ, he looks as if he is asleep in the arms of his mother as she waits for him to awake, symbolic of the resurrection.

A pyramidal structure signature to the time was also used: Mary's head at the top and then the gradual widening through her layered garments to the base. The draped clothing gives credence to Michelangelo's mastery of marble, as they retain a sense of flowing movement, far removed from the typical characteristic of stone.

This is the only sculpture Michelangelo ever signed. In a fiery fit of reaction to rumors circulating that the piece was made by one of his competitors, Cristoforo Solari, he carved his name across Mary's sash right between her breasts. He also split his name in two as Michael Angelus, which can be seen as a reference to the Archangel Michael - an egotistical move and one he would later regret. He swore to never again sign another piece and stayed true to his word.

ال Pietà became famous immediately following its completion and was pivotal in contributing to Michelangelo's fame. Despite an attack in 1972, which damaged Mary's arm and face, it was restored and continues to inspire awe in visitors to this day.

Marble - St. Peter's Basilica, Vatican City, Rome

ديفيد

This 17 foot tall statue depicts the prophet David, majestic and nude, with the slingshot he used to kill Goliath, slung victoriously over one shoulder.

The piece was commissioned by the Opera del Duomo for the Cathedral of Florence, a project that was originally meant to be a series of sculptures of prophets for the rooftop. Although David's familiarity stems from the classic religious tale, the statue became not only a rendition of the tale, but a symbol for the new Florentine Republic of its defiant independence from Medici rule.

Considered one of Michelangelo's great masterpieces. An exquisite example of his knowledge of anatomy can be seen in David's musculature, his strength emphasized through the classical contrapposto stance, with weight shifting onto his right leg. A sense of naturalism is conveyed in the way the body stands determined, a confident glare on the young man's face. The top half of the body was made slightly larger than the legs so that viewers glancing up at it or from afar would experience a more authentic perspective. The realism was seen as so powerful that Vasari praised it as Michelangelo's "miracle. to restore life to one who was dead."

During the Early Renaissance, Donatello had revived the classical nude as subject matter and made a David of his own. But Michelangelo's version, with its towering height, is unmistakably the most iconic version. As was customary to Michelangelo and his work, this statue was simultaneously revered and controversial.

The plaster cast of ديفيد now resides at the Victoria and Albert Museum. During visits by notable women such as Queen Victoria, a detachable plaster fig leaf was added, strategically placed atop the private parts.

On another occasion, a replica of ديفيد was offered to the municipality of Jerusalem to mark the 3,000th anniversary of King David's conquest of the city. Religious factions in Jerusalem urged that the gift be declined because the naked figure was considered pornographic. A fully clad replica of ديفيد by Andrea del Verrocchio, a Florentine contemporary of Michelangelo, was donated instead.

Galleria dell'Accademia, Florence - Marble

Doni Tondo (Holy Family)

Holy Family, the only finished panel painting by the artist to survive, was commissioned by Agnolo Doni for his marriage to Maddalena Strozzi, daughter of a powerful Tuscan family, which gives it its name. It portrays Jesus, Mary, Joseph, and an infant John the Baptist. The intimate tenderness of the figures governed by the father's loving gaze emphasizes the love of family and divine love, representing the cores of Christian faith. In contrast, the five nude males in the background symbolize pagans awaiting redemption. The round (tondo) form was customary for private commissions and Michelangelo designed the intricate gold carved wooden frame. The work is believed to be entirely by his hand.

We find many of the artist's influences in this painting, including Signorelli's Madonna. It is also said to have been influenced by Leonardo's The Virgin and Child with St Anne, a cartoon (full scale drawing) that Michelangelo saw while working on his ديفيد in 1501. The nude figures in the background are said to have been influenced by the ancient statue of Laocoön and His Sons (the Trojan priest) attributed to the Greek sculptors Agesander, Athenodoros and Polydorus, which was excavated in Rome in 1506 and publicly displayed in the Vatican.

Yet influences aside, the piece is distinctly Michelangelo, an example of his individualism, which was considered very avant-garde for the time. It was a significant shift from the serene, static rendition of figures depicted in classical Roman and Greek sculpture. Its twisting figures signify enormous energy and movement and the vibrant colors add to the majesty of the work, which were later used in his frescos in the Sistine Chapel. The soft modelling of the figures in the background with the focused details in the foreground gives this small painting great depth.

This painting is said to have laid the foundations of Mannerism which in contrast to the High Renaissance devotion to proportion and idealized beauty, preferred exaggeration and affectation rather than natural realism.

Tempera on panel - Galleria degli Uffizi, Florence

The Creation of Adam

This legendary painting, part of the vast masterpiece that adorns the Sistine Chapel, shows Adam as a muscular classical nude, reclining on the left, as he extends his hand toward God who fills the right half of the painting. God rushes toward him, his haste conveyed by his white flaring robe and the energetic movements of his body. God is surrounded by angels and cherubim, all encased within a red cloud, while a feminine figure thought to be Eve or Sophia, symbol of wisdom, peers out with curious interest from underneath God's arm. Behind Adam, the green ledge upon which he lies, and the mountainous background create a strong diagonal, emphasizing the division between mortal he and heavenly God. As a result the viewer's eye is drawn to the hands of God and Adam, outlined in the central space, almost touching. Some have noted that the shape of the red cloud resembles the shape of the human brain, as if the artist meant to imply God's intent to infuse Adam with not merely animate life, but also the important gift of consciousness.

This was an innovative depiction of the creation of Adam. Contrary to traditional artworks, God is not shown as aloof and regal, separate and above mortal man. For Michelangelo, it was important to depict the all-powerful giver of life as one distinctly intimate with man, whom he created in his own image. This reflected the humanist ideals of man's essential place in the world and the connection to the divine. The bodies maintain the sculptural quality so reminiscent of his painting, carrying on the mastery of human anatomy signature to the High Renaissance.

Many subsequent artists have studied and attempted to imitate parts of the work for what art historians Gabriele Bartz and Eberhard König called its "unprecedented invention." It is also one of the most parodied of Michelangelo's works, seen as humorous inspiration for The Creation of Muppet by artist James Hance in homage to Muppets creator Jim Henson used in the title sequence of the television arts program The Southbank Show borrowed from for the promotional poster for Steven Spielberg's movie ET and derived from for artist TasoShin's The Creation of Mario in homage to Miyamoto's contribution to Nintendo games.

Fresco - Sistine Chapel, Vatican City, Rome

Moses

This grand, epic-sized statue depicts Moses seated regally to guard the tablets written with the Ten Commandments. His expression is stern, reflecting his anger at seeing his people worshipping the golden calf on his return from Mount Sinai.

Michelangelo's reputation following the sculpture of ديفيد reached Pope Julius II in Rome who commissioned the artist to come and work on his tomb. The ambitious artist initially proposed a project of over 40 figures. Yet In the final structure the central piece became this sculpture of Moses. Not only has he rendered the great prophet with a complex emotionality, his work on the fabric of Moses' clothes is noted for its exquisite perfection and look of authenticity. Again, he managed to craft a visage of seeming real life out of stone.

Pope Julius II famously interrupted Michelangelo's work on the tomb so that he could paint the Sistine Chapel. The final tomb wasn't finished until after the Pope's death in 1513, to be finally completed in 1545.

This sculpture has been at the center of much analysis, with Sigmund Freud having purportedly spent three weeks in 1913 observing the emotions expressed by the sculpture, concluding it was a supreme vision of self-control. Part of the controversy hinged around what appear to be horns protruding from Moses' head. While some see them as symbolic of his anguish, others believe them to hearken to a Latin mistranslation of the Bible in which instead of rays of light illuminating the radiance of Moses, he appears to be growing horns. This can stem from the Hebrew word Keren, which can mean 'radiated light' or 'grew horns.'

The work was eventually housed in the church of San Pietro in Vincoli in Rome where Pope Julius II had been Cardinal.

Marble - San Pietro Vincoli, Rome

The Last Judgement

This fresco covers the entire altar wall of the Sistine Chapel and is one of the last pieces in the seminal building that was commissioned by Pope Clement VII when Michelangelo was 62. In it we see the Second Coming of Christ as he delivers the Last Judgement. The monumental work took five years to complete and consists of over 300 individual figures. The scene is one of harried action around the central figure of Christ, his hands raised to reveal the wounds of his Crucifixion. He looks down upon the souls of humans as they rise to their fates. To his left, the Virgin Mary glances toward the saved. On either side of Christ are John the Baptist and St Peter holding the keys to heaven. Many of the saints appear with examples of their sacrifices. Particularly interesting is St Bartholomew, martyred by the flaying of his skin, the face on which is said to be a self-portrait of Michelangelo. The saved souls rise from their graves on the left helped by angels. On the right, Charon the ferryman is shown bringing the damned to the gates of Hell. Minos, assuming the role Dante gave him in his Inferno, admits them to Hell. Another noteworthy group are the seven angels blowing trumpets illustrating the Book of Revelation's end of the world.

In usual Michelangelo fashion, the artist depicted the traditional scene with elements of controversy, particularly by rendering its subjects nude with extremely muscular anatomies. His rendition of a beardless Christ was unusual for the time, as was the use of figures from pagan mythology. Vasari reports that the Pope's Master of Ceremonies, Biagio da Cesena, called it a disgrace "that in so sacred a place there should have been depicted all those nude figures, exposing themselves so shamefully." Michelangelo, angry at the remark, is said to have painted Cesena's face onto Minos, judge of the underworld, with donkey's ears. Cesena complained to the Pope at being so ridiculed, but the Pope is said to have jokingly remarked that his jurisdiction did not extend to Hell.

materials - Fresco, Sistine Chapel, Vatican City

The Deposition

This piece is not only sculpturally complex and indicative of Michelangelo's genius, but it carries layers of meaning and has sparked multiple interpretations. In it, we see Christ the moment after the Deposition, or being taken down from the cross of his crucifixion. He is falling into the arms of his mother, the Virgin Mary, and Mary Magdalene, whose presence in a work of such importance was highly unusual. Behind the trio is a hooded figure, which is said to be either Joseph of Arimathea or Nicodemus, both of whom were in attendance of the entombment of Christ, which would follow this event. Joseph would end up giving his tomb for Christ and Nicodemus would speak with Christ about the possibility of obtaining eternal life. Because Christ is seen falling into the arms of his mother, this piece is also often referred to as a pietà.

The multiple themes alluded to in this one piece: The Deposition, The Pietà, and The Entombment are further emphasized by the way Michelangelo carved it. Not only is it life like and intense with realism, it was also sculpted so that a person could walk around to observe and absorb each of the three narratives from different perspectives. The remarkable three-dimensionality allows the group to interact within each of the work's meanings.

The work is also a perfect example of Michelangelo's temperament and perfectionism. The process of making it was arduous. Vasari relates that the artist complained about the quality of the marble. Some suggest he had a problem with the way Christ's left leg originally draped over Nicodemus, worrying that some might interpret it in a sexual way, causing him to remove it. Perhaps Michelangelo was so particular with the piece because he was intending it for his own future tomb.

In 1555, Michelangelo attempted to destroy the piece causing further speculation about its meaning. There is a suggestion that the attempted destruction of the piece was because Nicodemus, by reference to his conversation with Christ about the need to be born again to find everlasting life, is associated with Martin Luther's Reformation. Michelangelo was known to be a secret sympathizer, which was dangerous even for someone as influential as he was. Perhaps a coincidence, but his Lutheran sympathies are given as one of the reasons why Pope Paul IV cancelled Michelangelo's pension in 1555. One of Michelangelo's biographers Giorgio Vasari also mentions that the face of Nicodemus is a self-portrait of Michelangelo, which may allude to his crisis of faith.

Although Michelangelo worked on this sculpture over a number of years he was unable to complete it and gave the unfinished piece to Francesco Bandini, a wealthy merchant, who commissioned Tiberio Calcagni, a friend of Michelangelo's, to finish it and repair the damage (all except for replacing Christ's left leg).

Marble - Museo dell'Opera del Duomo, Florence

Pietà Rondanini

Pietà Rondanini is the last sculpture Michelangelo worked on in the weeks leading up to his death, finalizing a story that weaved through his many Pietàs and now reflective of the artist's reckoning with his own mortality. The depiction of Christ has changed from his earlier St. Peter's Pietà in which Christ appeared asleep, through to his Deposition, where Christ's body was more lifeless, to now, where Christ is shown in the utter pain and suffering of death. His mother Mary is standing in this piece, an unusual rendition, as she struggles to hold up the body of her son while immersed in grief.

What's interesting about this work is that Michelangelo abandoned his usual perfection at carving the body even though he worked on it intermittently for over 12 years. It was a departure that so late in his prolific career signified the enduring genius of an artist whose confidence would allow him to try new things even when his fame would have allowed him to easily rest upon his laurels. The detached arm, the subtle sketched features of the face, and the way the figures almost blend into each other provide a more abstracted quality than was his norm, and all precursors of a minimalism that was yet to come in sculpture. The renowned sculptor Henry Moore later said of this piece, "This is the kind of quality you get in the work of old men who are really great. They can simplify, they can leave out. This Pietà is by someone who knows the whole thing so well he can use a chisel like someone else would use a pen."

This sculpture's importance was ignored for centuries, including its disappearance from public discourse until it was found in the possession of Marchese Rondanini in 1807. It has since excited many modern artists. The Italian artist Massimo Lippi is quoted as saying that modern and contemporary art began with this Pietà, and the South African painter, Marlene Dumas, based her Homage to Michelangelo (2012) on this work.


The Story Behind Michelangelo’s David

The David, perhaps the world’s most famous sculpture, surely one of Florence’s greatest attractions, stands at 5.16 meters tall in the Accademia Gallery.

This outstanding sculpture was created between 1501 and 1504 by Renaissance genius Michelangelo, after the enormous block of marble used for the statue had lied abandoned for 25 years in the courtyard of the Opera del Duomo because the two artists originally commissioned with the work thought the marble, which came from the quarries in Carrara, had too many imperfections.

Michelangelo was hired to complete the project – the sculpture was to be one of a series of statues depicting Old Testament figures, to be placed in the buttresses of the Cathedral of Florence.

Michelangelo was 26 years old when he took on the task and worked on it for more than two years, creating a masterpiece that still leaves us in awe, more than 500 years after it was created.

His interpretation of the David is different from earlier versions by Florentine Renaissance artists, such as Verrocchio, Ghiberti and Donatello, who depicted a triumphant version of the young hero, standing victorious over Goliath’s severed head. Michelangelo chose to depict David before the battle: alert and ready for combat.

Michelangelo used the a classical pose known as contrapposto, where most of the weight is on one leg, so that the shoulders and arms twist off-axis from the hips and legs, giving the statue a more dynamic look.

You can hardly see the slingshot David carries over his shoulder, implying that David’s victory was due more to his cleverness than to his sheer force. His self-confidence and concentration are values that were highly regarded in the Renaissance, which strived toward the ideal of the “thinking man”.

When the statue was almost ready, Florentine authorities realized it was too large and heavy to be raised to the roof of the cathedral. In June 1504, David was placed next to the entrance to Palazzo Vecchio, where it replaced Donatello's bronze sculpture of Judith and Holofernes. It took four days to move the statue the half mile from Michelangelo's workshop to Piazza della Signoria.

In 1873, the statue of David was removed from the piazza to protect it from damage, and placed in the Accademia Gallery, where it can be admired today. The replica you see in Piazza della Signoria was installed in 1910, in the same spot where the original used to be.

Click here to buy the book that tells you the story of Michelangelo's David.

Il David, forse la scultura più famosa al mondo, sicuramente una delle più grandi attrazioni di Firenze, si trova, con i suoi imponenti 5,16 metri di altezza, nella Galleria dell'Accademia.

Questa eccezionale scultura fu creata tra il 1501 e il 1504 dal genio del Rinascimento Michelangelo, dopo che l'enorme blocco di marmo utilizzato per la statua aveva giaciuto abbandonato per 25 anni nel cortile dell'Opera del Duomo, perché i due artisti a cui era stato originariamente commissionato il lavoro avevano decretato che il marmo, proveniente dalle cave di Carrara, avesse troppe imperfezioni.

Michelangelo fu assunto per completare il progetto - la scultura doveva essere parte di una serie di statue raffiguranti figure dell'Antico Testamento, da posizionarsi nei contrafforti del Duomo di Firenze.

Michelangelo aveva 26 anni quando ottenne l’incarico e vi lavorò per più di due anni, creando un capolavoro che, più di 500 anni dopo la sua realizzazione, ci lascia ancora a bocca aperta.

La sua interpretazione del David è diversa rispetto alle versioni precedenti di artisti fiorentini del Rinascimento, come Verrocchio, Ghiberti e Donatello, i quali avevano raffigurato una versione trionfale del giovane eroe, in piedi vittorioso sulla testa mozzata di Golia. Michelangelo scelse di rappresentare David prima della battaglia: vigile e pronto per il combattimento.

Michelangelo utilizzò una posa del Classicismo nota come contrapposto: la maggior parte del peso è su una gamba, in modo che spalle e braccia si spostino fuori asse rispetto a fianchi e gambe, per dare alla statua un aspetto più dinamico.

La fionda che David porta sopra la spalla si intravede a fatica, per implicare il fatto che la vittoria di David fu dovuta più alla sua intelligenza che alla semplice forza. La fiducia in se stesso e la concentrazione che traspaiono erano valori tenuti in grande considerazione nel Rinascimento, un periodo nel quale si guardava all'ideale di un uomo riflessivo e ragionevole.

Quando la statua fu quasi pronta, le autorità fiorentine capirono che era troppo grande e pesante per essere sollevata verso il tetto della cattedrale. Nel giugno del 1504, il David fu posto accanto all'ingresso di Palazzo Vecchio, dove sostituì la scultura in bronzo di Donatello, Giuditta e Oloferne. Ci vollero quattro giorni per trasportare la statua lungo gli 800 metri che separavano la bottega di Michelangelo da Piazza della Signoria.

Nel 1873, la statua del David venne rimossa dalla piazza per proteggerla da eventuali danni, e collocata nella Galleria dell'Accademia, dove si può ammirare oggi. La copia che si vede in Piazza della Signoria è stata installata nel 1910, nello stesso punto in cui era l'originale.


Madonna of Bruges

ال Madonna of Bruges is a marble sculpture by Michelangelo of the Virgin and Child.

Madonna and Child
ArtistMichelangelo
عام1501–1504
نوعMarble
أبعاد200 cm (79 in)
موقعOnze Lieve Vrouwekerk, Bruges
Coordinates Coordinates: 51°12′17″N 3°13′28″E  /  51.20472°N 3.22444°E  / 51.20472 3.22444

Michelangelo's depiction of the Madonna and Child differs significantly from earlier representations of the same subject, which tended to feature a pious Virgin smiling down on an infant held in her arms. Instead, Jesus stands upright, almost unsupported, only loosely restrained by Mary's left hand, and appears to be about to step away from his mother. Meanwhile, Mary does not cling to her son or even look at him, but gazes down and away. It is believed the work was originally intended for an altar piece. If this is so, then it would have been displayed facing slightly to the right and looking down. The early 16th-century sculpture also displays the High Renaissance Pyramid style frequently seen in the works of Leonardo da Vinci during the late 1400s.

Madonna and Child shares certain similarities with Michelangelo's Pietà, which was completed shortly before – mainly, the chiaroscuro effect and movement of the drapery. The long, oval face of Mary is also reminiscent of the Pietà.

The work is also notable in that it was the only sculpture by Michelangelo to leave Italy during his lifetime. In 1504, it was bought by Giovanni and Alessandro Moscheroni (Mouscron), who were wealthy cloth merchants in Bruges, [1] then one of the leading commercial cities in Europe. The sculpture was sold for 4,000 florins.

The sculpture was removed twice from Belgium after its initial arrival. The first was in 1794 after French Revolutionaries had conquered the Austrian Netherlands during the French Revolutionary Wars the citizens of Bruges were ordered to ship it and several other valuable works of art to Paris. It was returned after Napoleon's final defeat at Waterloo in 1815. The second removal was in 1944, during World War II, with the retreat of German soldiers, who smuggled the sculpture to Germany enveloped in mattresses in a Red Cross truck. [2] It was discovered a year later in Altaussee, Austria within a salt mine and again returned. It now sits in the Church of Our Lady in Bruges, Belgium. This is represented in the 2014 film The Monuments Men.


شاهد الفيديو: يحيا أنجلو حلقة الغداء في الخارج